Le site vous propose donc de voyager aux quatre coins du monde à travers différents clichés originaux en rapport avec la problématique écologique du moment : comment conserver notre écosystème sain et sauf ?

Les auteurs de chaque photo ont également pu laisser un message en dessous de leur cliché afin de sensibiliser l’opinion publique à la question environnementale.

Retrouvez l’intégralité de ce portfolio sur le site reportagesphotos.fr

Avant la séance :

Analyse de l’univers « Burton ». « Tim Burton réinvente le cinéma « enfantin », repousse les limites du divertissement et le tend vers un monde unique, bariolé, sombre et lyrique. Un monde si fort qu’il ne laisse ni le public ni le critique indifférents (Voir un exemple). Quelques uns de ses films marquants : Beetle Juice, Batman (et Batman Returns), Edward aux mains d’argent, L’étrange Noël de Monsieur Jack, Mars Attacks, Sleepy Hallow, La planète des singes, Big fish, Charlie et la chocolaterie, Sweeney Todd… Le sujet récurrent de Tim Burton est l’enfance, qu’il aborde au travers de trois genres principaux : le merveilleux, le fantastique et la science fiction. Ses décors, extrêmement travaillés, mêlent simplicité enfantine, extravagance morbide et influences expressionnistes. Enfin, ses films sont reconnaissables grâce à un travail particulier sur l’esthétique, ce qui s’appelle, au Cinéma également, la photographie. L’univers de Tim Burton est généralement sombre, associé à la nuit, teinté de vert ou de bleu. L’ambiance y est pesante sans être lourde.

Quelques clés de l’univers de Tim Burton :
Voici quelques unes des clés de l’univers de Tim Burton qui peuvent nous inspirer :

Présence fréquente de parapluies, d’escaliers aux marches irrégulières, d’arbres tordus, représentants d’église peu sympathiques, épouvantails, ombres marquées inquiétantes. Personnages solitaires, pâles et distants. Créations vestimentaires jouant sur le noir et blanc (souvent des rayures). La nuit, la neige Chats, chiens, fête foraine, cirque Demeure isolée type manoir sur une colline, sinistre. Pont, forêt, cage. Photographie teintée (généralement vert ou bleu)
Ci-dessus, en rouge, les éléments choisis pour la séance photo.

Stylisme et modèle :
Jessica, la modèle choisie, est vêtue d’une robe blanche avec un corset noir afin de charger l’atmosphère et modeler la silhouette. Le maquillage est travaillé pour amplifier les couleurs froides, bleutées.

Décors :
Le décor choisi est un bâtiment en ruine traversé par un tronc d’arbre abattu. Le toit est effondré, seules restent quelques poutres en béton qui seront visibles sur la photo.
Il y a de l’eau au sol et divers branchages éparpillés. Au centre, le photographe y a placé un vieux fauteuil en mauvais état. L’ambiance sombre sera amplifiée en décalant le flash afin de faire apparaître les ombres.

Le matériel photo :
Pour cette séance, Aurélien Bénard travaille avec un appareil photo reflex Canon 5D équipé d’un objectif 16-35 mm f/2.8L et 2 flashs studios de 420w branchés sur générateur, l’un d’eux est équipé d’un bol beauté.
Nous plaçons le modèle dans l’axe entre le coucher du soleil et l’appareil photo, un flash sous la robe et un flash en « douche » sur la gauche de l’appareil photo.

La séance photo :
Il est impératif d’être prêt et totalement installé avant le début du coucher du soleil. La séance démarre dès que la lumière faiblit et dure tant que le soleil n’est pas totalement couché. Cela fait peu de temps.
La modèle est prête, la lumière baisse, étudions l’éclairage en place :

1 : le flash est placé à la gauche du photographe, en hauteur (un éclairage « douche »). Il est équipé d’un bol beauté, afin d’avoir une lumière assez dure. Il tape en partie sur la poutre du haut afin d’avoir une lumière encore plus réduite et ciblée sur le visage de la modèle. Le flash est réglé à ½ de sa puissance.
2 : le flash est placé sous la robe de la modèle afin de l’éclairer de l’intérieur, la lumière sera diffusée par la robe et créera un effet fantomatique. Le flash est sans accessoire et réglé au ¾ de sa puissance.
3 : La lumière naturelle, en fin d’après midi en novembre.

Guider la modèle :
Le flash sous la robe va créer une grande zone blanche dans la photo. Le photographe guide la modèle de sorte à avoir des poses simples, inspirées de poupées de cire, en demandant à la modèle de jouer avec la robe afin d’obtenir des « effets de voiles ».

Après la séance :

Le photographe Aurélien Bénard n’est pas adepte de la retouche photo. Le temps de traitement de ses photos ne dépasse que rarement les 5 minutes, avec des manipulations simples. Cependant, l’étape du traitement est obligatoire puisqu’il faut développer les RAW.

Le développement des raws avec Adobe Camera Raw :
En partant du principe que la balance des blancs a été correctement effectuée lors de la séance, le développement numérique va être rapide. Dans l’onglet « Réglages de base », Aurélien Bénard réduit légèrement la saturation. Dans l’onglet « TSI/Niveaux de gris », le photographe réduit très légèrement la saturation des rouges.
Si l’ambiance ne vous satisfait pas totalement, vous pouvez corriger la balance des blancs maintenant (onglet « réglages de base »).

La retouche sous Adobe Photoshop :
Après une retouche sommaire de la peau (nettoyage avec l’outil ‘correcteur’), Aurélien Bénard donne un peu de relief à la photo en ajoutant un « Calque de réglage Noir et Blanc », réglage par défaut. Il change le mode de fusion de ce calque en « lumière tamisée » et l’opacité aux alentours de 7 à 12%.

Une autre technique pouvant être employée par Aurélien Bénard :
Le filtre passe-haut :
Aurélien Bénard duplique la photo dans un nouveau calque (CTRL+ALT+MAJ+E sur le plus haut calque de la pile), le convertit pour les filtres dynamiques (afin de pouvoir modifier les réglages par la suite) et y applique un filtre « passe haut » avec rayon important (selon la résolution). Il change le mode de fusion de ce calque en « Inscrustation » (possibilité « lumière crue ») et joue avec l’opacité pour renforcer les ombres et reliefs (environ 10 à 50%). Pour cette photo, il est possible de coupler cela avec un masque de fusion afin de n’accentuer que le tronc d’arbre.

Ici, on a peint le tronc et ses ombres avec un pinceau d’opacité 30%.

Le résultat :

Infos de prise de vue : Mode manuel – 1/125 – F/7.1 – iso 100 – focal 26mm

Pour aller plus loin :

Dans Adobe Photoshop.

Courbes :
Il est possible de modifier artificiellement l’ambiance d’une photo en « forçant » les teintes. Pour ce faire, vous pouvez utiliser un calque de réglage ‘Courbes’, très léger.

Balance des couleurs :
On peut également complexifier l’ambiance avec un calque de réglage « balance des couleurs ». Un essai a été effectué pour cette photo avec les réglages suivants :
Tons foncés : 0 / +1 / +3
Tons moyens : -1 / 0 / +2
Tons clairs : +1 / 0 / 0

Si vous souhaitez approfondir vos connaissances ou tous simplement suivre des cours photo, consultez sans attendre les dates des prochains stages sur Touslesstages.com.
Voir le site du Photographe Aurélien Bénard.

Rappels sur la prise de vue :
Avant de se lancer dans le post-traitement d’une photo, nous allons brièvement revenir sur la prise de vue. L’absence de couleur nous oblige à travailler sur d’autres critères qui sont la lumière et le contraste. Pour nous aider dans cette tâche nous avions vu ensemble que notre boitier numérique possède un mode « monochrome » ou « noir et blanc ». Dans ce mode, il est possible de régler un filtre. Celui-ci peut être de couleur vert, jaune-oranger ou rouge. Il a une importance dans le rendu final car il va permettre d’éclaircir ou d’assombrir certaines zones de la scène photographiée selon la couleur choisie. (Voir la première partie, Le noir et blanc en numérique).

Conversion en Noir et Blanc :
La première étape à effectuer devant notre ordinateur est le passage de notre photo en noir et blanc. Si la photo a été enregistrée dans le format RAW, nous pouvons récupérer un fichier converti via le logiciel qui nous a été fourni avec notre appareil ou directement grâce à des logiciels tels qu’Adobe Photoshop ou Adobe Lightroom qui ont la capacité de lire les formats bruts. Par contre, avec ces logiciels, il faut se renseigner auprès de l’éditeur (généralement sur son site internet) afin de savoir si la version installée sur notre ordinateur est capable de lire et interpréter les fichiers issus de notre boitier. Dans le cas contraire, il est nécessaire télécharger la mise à jour du logiciel qui prend en compte notre appareil photo. Cette interrogation ne se pose naturellement pas si nous lisez les photos avec le logiciel fourni avec votre appareil ou si nous avons notre photos dans un format déjà travaillé (JPG par exemple). Certains logiciels qui lisent et convertissent les formats RAW intègrent directement l’outil « noir et blanc » que nous allons voir ensemble dans les trois méthodes proposées.

A titre d’exemple pour la conversion et la personnalisation, voici une photo prise lors d’un voyage. L’objectif du post traitement est de donner le sentiment que le lecteur de la photo va emprunter le chemin qui se situe en bas à gauche de la photo et va se diriger vers la lumière du contre-jour. Pour ce faire, nous ne pouvons travailler que sur la luminance de la photographie.

Photo : image non traitée

Photo 2 : résultat recherché

Désaturation :
La première méthode consiste à désaturer complètement les couleurs de la photographie. Cette méthode est applicable avec tous les logiciels qui permettent de retoucher une image. Nous pouvons voir sur la capture d’écran que la molette qui gère la saturation de toutes les couches (toutes les couleurs) se trouve complètement à gauche. Cela nous donne bien une photo noir et blanc au final. Cette conversion n’est pas une mauvaise solution, simplement, elle ne nous permet pas l’application de filtre.
Donc, si nous ne souhaitons reproduire leur effet, elle reste la solution la plus simple et la plus rapide.

Mélangeur de couche :
Cette méthode est la plus populaire car elle est reprise par les meilleurs logiciels de retouches d’images, gratuits ou payants. Elle consiste à régler indépendamment les trois couches principales RVB (Rouge Vert Bleu). Dans un premier temps, il faut définir la couche de sortie qui doit être le gris. Cette sélection s’effectue généralement en cochant « monochrome » mais cela peut varier en fonction des logiciels. Ensuite, vous avez à votre disposition une molette par couche. Les valeurs sont en pourcentages, l’objectif est que l’addition des trois couches fasse 100%. Si nous souhaitons reproduire l’effet d’un filtre de couleur comme nous l’avions vu lors de la prise de vue, voici un tableau de correspondance des pourcentages à appliquer sur les couches :

Bien entendu, nous ne sommes pas obligés de nous limiter à ces valeurs là. Nous pouvons affiner nos trois niveaux de manière à assombrir et éclaircir certaines parties de la photo. A partir de ce moment là, nous pouvons dire que nous personnalisons notre filtre. Ce qui est important de garder en tête, c’est que dès que vous augmenter une des trois couches, vous allez l’éclaircir au détriment d’une des deux autres couches, voir des deux.
Dans notre cas, l’idéal est d’appliquer un filtre rouge car il va nous permettre d’éclaircir notre chemin tout en assombrissant légèrement le vert des champs de thé.

Outil « Noir et blanc » :
Cette méthode est apparue de manière explicite dans le logiciel le plus populaire, Adobe Photoshop, à partir de la version CS3. Pourtant, elle existe depuis un certain temps car c’est celle que nous retrouvons dans les applications qui nous permettent de transformer nos fichiers bruts (RAW) issus de notre appareil. Son principe est très proche du principe du mélangeur de couche. La différence réside sur le fait que nous allons pouvoir travailler en parallèle sur les couches RVB (Rouge-Vert-Bleu) et CMJN (Cyan-Magenta-Jaune-Noir). En faisant varier chaque curseur de chaque couche, nous allons éclaircir la couche choisir si nous allons vers la droite, et l’assombrir si nous allons vers la gauche.

Selon le logiciel utilisé, nous avons aussi la possibilité de choisir des paramètres prédéfinis. La plupart du temps, lorsque cette option est accessible, les différents filtres (que nous trouvons sur notre boitier numérique) sont accessibles. En sélectionnant un, les différentes couches vont se régler afin d’apporter la modification choisie.

Personnalisation :
Notre photo est enfin en noir et blanc sur notre ordinateur. Mais ce n’est pas pour autant que notre tâche est terminée. Nous allons personnaliser notre photographie. C’est à partir de ce moment que nous allons lui donner une âme, notre touche de photographe. Cette manipulation n’a rien de compliqué. L’objectif est de gérer l’exposition en sur-exposant ou sous-exposant localement afin d’accentuer l’importance de notre sujet ou donner du relief à notre photo. Mais pour cela il est important de savoir que :

• les tons clairs vont attirer l’œil du lecteur,
• les tons sombres vont repousser l’œil du lecteur.

Ce travail n’a rien de différent d’un travail que nous pouvons effectuer lors d’un tirage argentique. Le principe est le même, nous allons découper notre photographie en plusieurs partie afin de les traiter indépendamment niveau exposition. Le mieux est encore de reprendre notre exemple afin de mieux comprendre tout cela.

Dans cette découpe, les parties qui n’ont pas de numéro sont celles pour lesquelles nous n’allons apporter aucune modification.
Pour les parties numérotées, nous allons apporter les modifications suivantes :

1. le chemin fait partie de notre sujet, c’est celui que l’œil du lecteur doit suivre. Nous allons donc légèrement éclaircir cette zone de la photo.
2. ce premier plan est complètement opposé à notre source de lumière, nous allons assombrir cette partie de la photographie afin d’ajouter du relief à notre paysage.
3. au même titre que la zone n°2, cette partie de la colline est opposée à la source de lumière, nous allons aussi l’assombrir de manière à ajouter du relief.
4. cette zone fait aussi partie de notre sujet. Elle contient l’aboutissement du chemin de notre lecteur. Bien que le ciel soit très lumineux, il existe tout de même des nuances qui vont nous permettre de ressortir de la matière. Nous allons donc appliquer sur ce ciel un assombrissement en dégradé avec la partie la plus sombre en haut. Cela n’assombrira pas notre source de lumière qui est quasiment proche du blanc mais ce qu’il y a autour de manière a maintenir le regard de notre lecteur vers la lumière, les tons clairs attirant le regard à l’opposé des tons sombres.

Pour éclaircir ou assombrir cette zone, l’idéal, et si notre logiciel de retouche en possède, et d’appliquer localement une correction d’exposition. Une correction négative va assombrir notre zone et une correction positive va l’éclaircir. Cette outil n’altère pas les différente nuances et permet un effet beaucoup plus naturel.
Dans le cas contraire, il va falloir jouer avec la luminosité et le contraste afin d’obtenir un résultat semblable. Le travail seul sur la luminosité va rendre les gris très fade et une augmentation ou une réduction du contraste va redonner du volume dans nos nuances de gris.

Par contre, il est important de garder en mémoire que, pour avoir un beau noir et blanc, il faut que nos blancs soient blancs, que nos noirs soient noirs et que nous ayons un maximum de nuance de gris.
Une fois notre retouche terminée, nous pouvons constater le volume et le caractère qu’a pris notre photo.

Conclusion :
En l’absence de couleur, le noir et blanc doit jouer sur d’autres tableaux afin de mettre en avant notre sujet. La luminance est donc le facteur sur lequel nous devons travailler. Au cours de ce post-traitement, nous avons travaillé en gardant toujours en tête le sujet de notre photo et donc ce que nous souhaitons éclaircir et assombrir. Lors de la conversion, le travail sur les couches revient à personnaliser un filtre que nous aurions pu utiliser lors de la prise de vue. Ensuite, le post-traitement nous permet d’appliquer des expositions légèrement différentes par zone afin de mettre en avant notre sujet de d’orienter la lecture de la photographie. Cette méthode n’est pas propre au numérique. Bien au contraire, elle a été adaptée du travail argentique en laboratoire où nous exposons plus ou moins certaines zones sous l’agrandisseur afin d’assombrir ou éclaircir toujours dans l’idée d’orienter la lecture.

Photos et Texte : Éric Martzloff.

Comme dans tous les domaines la technologie évolue. Avec le numérique, nous avons remplacé les pellicules par des cartes mémoires, les agrandisseurs par des ordinateurs, les révélateurs et fixateurs par des imprimantes. Pourtant, bien que la forme ait changée, le fond reste le même. En numérique, l’approche et la mise en scène du message est identique. Nous pouvons même nous vanter d’avoir un petit avantage lors de la prise de vue.

Contraintes du noir et blanc :
Quelque soit ce que nous souhaitons photographier, la première étape est la prise de vue et sa préparation. L’œil humain voit en couleur ; mais celles-ci sont bien évidemment absentes en noir et blanc. Dans cette vision monochrome, il est nécessaire de trouver d’autres éléments qui vont mettre en avant notre sujet. Il ne nous reste donc plus que la lumière et les contrastes pour marquer la différence entre les éléments qui composent la scène.

Photo 1 : cubes de constructions pris en couleur.
Photo 2 : Passage en noir et blanc, on constate que le cube rouge n’a plus le même impact visuel.

Nous constatons que la disparition des couleurs change complètement la lecture de la photo. Le noir et blanc ne retranscrit donc pas la réalité mais en fait une interprétation de celle-ci. De ce fait, il est important de connaitre dès la prise de vue quel message nous souhaitons transmettre et donc décider quel rendu final nous allons donner à notre photo, noir et blanc ou couleur. Néanmoins, même en l’absence de cette dernière, nous avons la possibilité d’influer sur celle-ci à l’aide de filtre qui nous permette d’éclaircir ou d’assombrir certaines couleurs.

Les filtres en noir et blanc :
En argentique, il n’est pas rare d’utiliser des filtres pour influer sur le rendu d’une photographie, surtout en noir et blanc. En numérique, nous avons toujours la possibilité d’en mettre un sur notre objectif mais cela n’est pas indispensable. Ce filtre, généralement de couleur, peut être appliqué directement en post-traitement ou mieux, lors de la prise de vue dans les paramètres de votre boitier numérique (voir ci-dessous « Régler sont appareil »).

Selon le filtre choisi, nous allons mettre en avant certaines couleurs plutôt que d’autres. Ce travail étant à faire en post-traitement, il est donc intéressant de connaître immédiatement son impact sur la photo finale. Mais comment les filtres influent-ils sur les éléments de la scène photographiée ? Nous allons regarder ensemble cet impact sur une photo via un exemple concret.

Voici une photo en couleur. Lors de la prise de vue, nous avons décidé de la prendre en noir et blanc afin de donner un côté authentique à la scène.

Nous avons traité cette photo en noir et blanc. Ici, aucun filtre n’a été appliqué. Il s’agit donc d’une simple conversion. Nous constatons que notre sujet, qui est la calèche avec les chevaux, vient se confondre avec le second plan.

Utilisation d’un filtre vert :
Le filtre vert va mettre en valeur et en évidence tous les tons verts de la scène photographiée et va assombrir les tons rouges.
Dans notre photo, nous constatons que les arbres en second plan sont éclaircis. Cela ne nous permet pas de détacher notre cheval marron du fond vert. Ce filtre n’est peut-être pas l’idéal pour notre scène photographiée

Utilisation d’un filtre rouge :
Le filtre rouge va assombrir les tons bleus et les tous verts pour éclaircir les tons rouges. Ce filtre a beaucoup été utilisé en cinéma (noir et blanc uniquement) pour avoir un effet nuit américaine.
Dans notre photo, nous avons un sujet qui est bien mis en avant avec un assombrissement léger du ciel et du second plan, au profit de notre calèche et du visage de notre personnage.

Utilisation d’un filtre jaune ou oranger :
les filtres jaune ou oranger vont nous permettre de mettre en avant un grain de peau et une personne pour un portrait. Ils vont aussi avoir comme impact un assombrissement des tons bleus et donc d’un ciel bleu pour lui donner un rendu plus dramatique.
Dans notre photo, le filtre jaune utilisé apporte un résultat presque semblable au filtre rouge. Une petite nuance est néanmoins visible au niveau du foin se trouvant dans la calèche qui est un peu plus clair.

Dans cette scène nous pouvons donc constater que, idéalement, l’utilisation d’un filtre jaune ou oranger apporte réellement un plus à notre résultat final. Il nous permet de mettre en avant notre sujet en l’éclaircissant tout en assombrissant légèrement notre second plan vert et notre ciel bleu (l’impact aurait été différent avec un ciel gris). Grace au numérique, et si l’appareil photo en est équipé, il nous est possible de constater tout cela dès la prise de vue.

Régler son appareil :
En numérique comme en argentique, le travail du noir et blanc s’effectue en post-traitement. Pourtant, comme je vous l’ai dit en introduction, le numérique possède un petit avantage qui est la visualisation directe après la prise de vue sur l’écran de votre boitier. Nous allons donc paramétrer notre appareil en fonction de notre travail.

Dans un premier temps, nous réglons la qualité des photos sur RAW. Il s’agit d’un format brut contenant le maximum d’informations possibles de la scène photographiée. Cette particularité nous offre une plus grande marge de manœuvre possible dans le travail des lumières lors de la phase de post-traitement. Par contre, les réglages qui vont suivre ne sont pas pris en compte lors de l’enregistrement de la photo en format RAW (la photo est donc enregistrée en couleur) ; mais ils nous permettent une meilleure appréciation du résultat final en noir et blanc.

Sur les appareils réflexes récents, il existe un paramètre « noir et blanc » ou « monochrome » qui nous permet d’enregistrer directement en noir et blanc la photo (pour une qualité autre que RAW) et qui nous permet surtout de visualiser directement sur notre écran le résultat en noir et blanc. Nous allons donc utiliser ce réglage pour cette dernière raison. Mais ce n’est pas tout, notre boitier peut aussi nous permettre d’affiner ce mode en choisissant :

• un rendu plus net
• un rendu plus ou moins contrasté
• une application de filtres (jaune, oranger, rouge ou vert)

Conclusion :
Quelque soit la technique que nous employons, argentique ou numérique, les principes de bases de la photographie restent les mêmes. Seul notre support de travail change. C’est donc à nous, photographe, de nous adapter et de maitriser notre outil de travail en fonction de la technologie choisie. Nous avons donc vu ensemble quelques éléments de base de la photographie en noir et blanc, ainsi que sa préparation lors de la prise de vue en numérique. En l’absence de couleur, la lumière et le contraste deviennent les deux véhicules essentiels qui vont permettre de distinguer les différents éléments de notre scène photographiée. Pour nous aider, il existe des filtres de différentes couleurs qui influent sur les tons des objets en fonction, justement, de leur couleur. Notre tâche sera donc de choisir, si nécessaire, le filtre le plus judicieux en fonction de la scène et du message que l’on souhaite transmettre à notre lecteur.

Maintenant que notre appareil photo est réglé pour travailler le noir et blanc dans les meilleures conditions, il ne nous reste plus qu’à trouver notre sujet et le mettre scène en tenant compte de tout cela. Une fois notre photo prise, le travail sur notre laboratoire numérique apportera la touche personnelle qui fait que notre photo sera différente de toute autre photo.

Texte et photos : Éric Martzloff.

Afin de vous accompagner dans cette démarche, nous vous proposons quelques conseils, ainsi que le décryptage d’un monde rempli de sigles et d’appellations très obscures.

Focale :
Le rapport de grossissement s’exprime pour chaque objectif en mm, c’est la focale ; lorsque vous zoomez, vous changez la focale. Certains objectifs sont des focales fixes, d’autres des zooms qui peuvent glisser entre deux focales. La focale fixe la plus répandue est certainement le 50mm, c’est une focale facile à construire dont on peut trouver de très bon prix en entrée de gamme.
Pour les zooms, c’est la jungle, alors que sur beaucoup de compacts ou bridges le zoom est exprimé avec un nombre multiple (12x par exemple), sur les objectifs de reflex cela n’a plus trop d’intérêt. En effet, le coefficient de multiplication n’est valable que si l’on connaît la focale la plus courte. Par exemple un zoom 70-200mm n’aura un facteur de multiplication que de 2,8, alors qu’un 18-200mm aura lui un facteur de 11,11 ! Pourtant la focale la plus longue est similaire pour les deux.

Il est donc important à l’achat d’un nouvel objectif d’étudier la plage de focale de celui-ci ainsi que d’autres éléments essentiels : compatibilité, ouverture, construction, autofocus, qualité optique…

Compatibilité :
Chaque reflex numérique est équipé d’une monture, cette monture peut accepter un ou plusieurs types d’objectifs. Attention donc à bien sélectionner un objectif qui s’adapte à votre appareil ! La plus grande distinction se fait actuellement entre les reflex équipés d’un capteur de type APS-C et ceux équipés d’un capteur plein format (24×36). Alors que ces derniers ont souvent une monture 24×36 issue des reflex argentiques, certains constructeurs ont mis en place une nouvelle monture exclusivement adapté aux formats APS-C (EF-S par exemple chez Canon). Très souvent les objectifs destinés aux reflex équipés de petits capteurs sont purement et simplement incompatibles avec les montures plein format ! L’inverse est par contre beaucoup plus courant.

Si vous possédez un reflex numérique à capteur APS-C (la majorité des reflex entrée de gamme et experts en sont aujourd’hui équipés), il vous est donc possible de sélectionner un objectif spécialement adapté à ce format (EF-S chez Canon, DX chez Nikon, Di chez Tamron, DC chez Sigma…). Ils sont souvent optimisés pour cette couverture de champ et on retrouve parfois une qualité optique et des fonctionnalités dignes des meilleurs objectifs professionnels de chaque marque.

La seule contrainte sera si vous passez un jour à un reflex plein format, vos objectifs ne seront plus utilisable avec cet appareil. Dans tous les cas il sera nécessaire de faire attention au coefficient multiplicateur induit par la taille de votre capteur. Sur un appareil équipé d’une surface sensible au format APS-C, il est nécessaire généralement de multiplier par 1,5 ou 1,6, c’est pourquoi la plupart des objectifs dédiés débutent bien souvent à 18mm afin de retrouver au final un recadrage équivalent à un 28/30mm ! Ainsi un 17-55 cadrera comme un 26-83mm, et pour obtenir un très grand angle il sera nécessaire d’investir dans des focales approchant le 10/11mm.

Ouverture :
Le changement d’un objectif peut également être justifié par la nécessité d’une ouverture plus performante. Alors que la plupart des objectifs fournis avec les kits reflex ont une ouverture maximum glissante (par exemple 3.5-5.6 avec un 18-55mm, l’objectif ouvrira à 3.5 maximum à 18mm et à 5.6 à 55mm, et glissera progressivement entre les deux), il est souvent intéressant d’envisager l’achat d’un objectif plus performant offrant par exemple une ouverture plus grande constante sur toute sa plage de focale. Cela aura pour conséquence : de vous permettre d’obtenir des vitesses plus rapides, donc d’éviter le flou de bougé dans des conditions de lumières délicates, et de réaliser des photographies avec une très faible profondeur de champ privilégiant les fonds flous. Disposer d’un objectif plus « lumineux » est un atout dans certaines conditions de prise de vues. D’autant plus qu’une grande ouverture vous permettra d’augmenter la vitesse d’obturation, contrairement à un stabilisateur d’image, donc de figer un sujet un mouvement par exemple en concert.

Construction :
Le tarif des objectifs est également souvent justifié par leur qualité de construction. Si les lentilles d’entrée de gamme proposent la plupart du temps des futs en plastique, vous retrouverez du métal sur les pièces les plus onéreuses, avec bien souvent une conséquence inévitable sur l’augmentation du poids général. La qualité des bagues de zoom et de mise au point est aussi un élément à prendre compte qui permettra d’envisager une durée de vie supérieure de votre objectif. Enfin des indications précieuses comme la distance de mise au point dans une petite fenêtre peuvent apporter un confort non négligeable.
Enfin le mécanisme lui-même de l’objectif est important, l’objectif s’allonge-t-il lorsque vous zoomez ?
La lentille frontale tourne-t-elle lorsque vous faites la mise au point ?
Si oui, il vous sera impossible d’utiliser des filtres comme un polarisant circulaire par exemple, attention donc à ce point. Certains constructeurs proposent également une « tropicalisation » qui empêche l’introduction d’eau dans l’objectif, il vous est ainsi possible d’utiliser votre matériel dans des conditions humides sans risque.
Le pare soleil est également un outil à ne pas négliger. En plus de protéger des rayons incidents lors de journées ensoleillées ou en concert par exemple, il pourra tout à fait faire office de protection contre les coups dans des situations délicates (manifestation par exemple).

Autofocus :
Lorsqu’on photographie des sujets en mouvement, il est nécessaire de posséder un couple autofocus boitier/objectif performant. En effet, même si le boitier donne l’ordre rapidement à l’objectif de corriger sa mise au point mais que celui-ci peine à cause d’un moteur léthargique, le flou de mise au point apparaitra très facilement sur une rafale par exemple. Beaucoup de constructeurs ont donc mis au point des autofocus particulièrement rapides, où les frottements sont minimisés et le déplacement des lentilles s’effectue par electro magnétisme.
De cette façon, l’autofocus peut réagir en quelques dixième de secondes ! On retrouve donc chez la plupart des constructeurs une appellation spéciale pour ces moteurs : USM, HSM, SWM.

Qualité optique :
La qualité optique de chaque objectif est très variable et il est assez difficile de se satisfaire des recommandations des constructeurs. Il existe cependant trois observations à prendre en compte :

1. Les objectifs de dernière génération ont, la plupart du temps, une meilleure qualité optique avec nos reflex numériques que des anciens objectifs issus de nos reflex argentiques.
2. Les focales fixes ont, la plupart du temps, une meilleure qualité optique globale qu’un zoom.
3. Pour un zoom, plus la plage de focale est grande, moins la qualité sera au rendez vous à toutes les focales, préférez donc des zooms de faibles amplitudes.

Nous ne détaillerons pas ici tel ou tel objectif, certains magazines et sites internet vous propose des tests approfondis qui vous permettront de vous faire une idée sur les performances optiques du précieux que vous convoitez : piqué au centre et sur les bords, vignettage, aberrations chromatiques…

Il existe néanmoins dans chaque marque quelques modèles qui, sans forcément être dans les prix les plus élevés, restent des références de qualité.

Fonctionnalités :
De plus en plus de constructeurs proposent maintenant un système de stabilisation optique. Ce système est généralement légèrement plus efficace que leurs homologues associés aux capteurs. Cependant, même si l’utilité d’un tel système n’est plus à démontré, il faut être conscient qu’il ne sera pas adapté à tous les types de photos. Une vitesse lente, même avec un objectif stabilisé qui évite le flou de bougé, enregistrera toujours les mouvements du sujet (sportif, artiste sur scène…). Rien de magique donc dans ce système, mais une fonctionnalité bien pratique qui compense parfois une ouverture un peu limite.
Les aficionados d’architecture pourront également se pencher vers des objectifs spéciaux dit à décentrement et bascule. Ces optiques permettent, dans une certaine mesure, de redresser les perspectives fuyantes de bâtiments en contre plongée par exemple (décentrement), ou d’agrandir le plan de netteté qui permet de visualiser tous les éléments nets d’une scène (bascule).

Prix :
Enfin il serait difficile de ne pas parler de prix tant les écarts peuvent être grand pour certaines gammes d’objectifs. Il faut être conscient qu’un parc d’objectif se conserve beaucoup plus longtemps qu’un boitier numérique. Lorsque vous aurez construit progressivement votre parc, vous le garderez pour longtemps ! Il est donc essentiel de consacrer une bonne partie du budget photo dans votre sélection d’objectif au cours des années.
Comptez généralement 2 à 3 fois le prix de votre reflex. Dans tous les cas, un objectif onéreux vous apportera bien souvent, en plus d’une qualité optique généralement présente, une durée de vie supérieure et un confort d’utilisation dans le temps que vous ne regretterez pas.
Néanmoins, n’hésitez pas à étudier les nombreuses possibilités : marques alternatives, modèles milieux de gamme qui proposent parfois des compromis très intéressants en termes de qualité de construction et optique.

Pour conclure cet article, il est important de souligner que l’achat d’un objectif doit être murement réfléchi : n’investissez que si vous en ressentez le besoin (qualité optique, ouverture, construction…) ! Vous n’aurez ensuite que plus de plaisir à utiliser un outil que vous avez amoureusement sélectionné pour votre utilisation photographique !

Voir d’autres reportages sur : Le portrait ou photographier sous la pluie ou encore comment prendre des photos de concert.

Texte et photos : Denis Chaussende

Le portrait est un mot relativement vague, puisqu’il intègre différents types de photographies très différents : portraits volés « sur le vif », portraits en environnement, portraits préparés en studio, mises en scène totalement contrôlées etc…
Il convient donc premièrement d’adapter le type de plan au type de portrait. Si l’on souhaite montrer avant tout l’environnement de la personne, sa situation spatiale et temporelle, il sera nécessaire de réaliser un plan large. Si l’au contraire on souhaite se concentrer sur le corps, un plan de plein pied sera plus adapté. Enfin, si c’est le visage, l’expression, ou le regard qui doit attirer l’oeil de l’observateur, le plan serré sera plus adapté.
Attention cependant à observer et bien positionner l’arrière plan : textures, formes, ou couleurs, car même s’il est flouté grâce à une faible profondeur de champ, il permettra de mettre en valeur votre portrait !

La lumière est également un outil essentiel, puisque c’est elle qui va modeler le visage de votre sujet, qui donnera également un relief ou une atmosphère particulière. Il est conseillé au départ d’utiliser au maximum la lumière naturelle extérieure, ou provenant d’une fenêtre par exemple, cela permet de mieux comprendre celle-ci en conservant le naturel d’une pièce ou d’une saison. Positionner de préférence la lumière sur le visage de la personne photographiée, demander par exemple en intérieur à votre sujet de se tourner vers la fenêtre.
Contrairement à d’autres domaines photographiques comme le paysage, en extérieur le portrait se pratique mieux lorsque le ciel est couvert. En effet, les nuages diffusant la lumière suppriment les ombres disgracieuses qui peuvent apparaître avec une lumière dure.

Préférez donc ce type de temps lors de vos séances. Si au contraire la lumière d’été est au rendez vous, essayez d’amener votre sujet à l’ombre d’un arbre et vous utiliserez le flash pour équilibrer les contrastes sur le visage. Le flash est un outil intéressant à utiliser, surtout en extérieur (technique de fill-in pour déboucher les ombres). Néanmoins cela reste un accessoire complexe qu’il est souvent nécessaire de modeler (via des outils de diffusion comme des boites à lumières ou autres compléments…) pour obtenir une lumière plus douce qui complète très souvent une lumière naturelle déjà intéressante.

Concernant le matériel à adopter, les portraitistes privilégient la plupart du temps les courtes profondeurs de champ (cet effet de flou progressif créé par des conditions optiques caractéristiques du cinéma et de la photographie).
Pour obtenir cette courte profondeur de champ il est bien évidemment essentiel d’utiliser des ouvertures de diaphragme très grande (petite valeur de f/, par exemple F/2). Les objectifs permettant de réaliser cela sont la plupart du temps des focales fixes. Attention à privilégier les focales supérieure ou égale à 50mm car avec des focales inférieure, on voit apparaître rapidement des déformations optiques peu valorisante pour la personne photographiée !

Il existe par exemple dans la plupart des marques une optique de 50mm fixe qui ouvre la plupart du temps à f/1.8 ou même f/1.4 qui est proposé à un prix tout à fait abordable (entre 100 et 200€).

Cette optique est une aubaine pour le débutant qui souhaite s’adonner au portrait sans se ruiner ! Idéalement, le 85mm ou même une focale plus longue permet d’effacer les quelques déformations que peuvent faire apparaître le 50mm lorsque le sujet est proche, mais le budget d’achat est supérieur. Dans tous les cas ces optiques permettent de créer facilement, grâce à un reflex numérique par exemple, une faible profondeur de champ. Pour ceux qui apprécient particulièrement cette activité et qui souhaite investir dans un reflex en possédant un budget suffisant, il est également préférable de privilégier les boitiers équipés de capteur 24x36mm car la taille de celui-ci impliquera des transitions du net au flou beaucoup plus progressif (un Canon 5D première génération d’occasion fera très bien l’affaire !). Le portrait reste tout de même un domaine créatif important, et certains photographes n’hésitent pas à utiliser des objectifs très grands angles ou même des fish-eye pour déformer volontairement leur sujet !

Lorsque l’observateur se penchera sur votre photo, son regard sera automatiquement attiré vers la personne photographiée, et par l’attitude corporelle de celle-ci. L’homme est un animal social attiré par l’homme et il se représentera mentalement l’état d’esprit du sujet prioritairement avec l’expression du visage et la position du corps. C’est pourquoi le photographe devra porter toute son attention sur ces détails afin de faire ressortir la personnalité adaptée au sujet. Si cette personne est plutôt enjouée, il faudra préférer des situations humoristiques à la mélancolie par exemple.
L’arrière plan, l’environnement ou la tenue vestimentaire ne devront également pas être en contradiction avec l’expression du sujet. Afin de contrôler au maximum sa prise de vue, le meilleur moyen pour le photographe sera de nouer le contact avec le sujet, d’entretenir avant la séance, pendant et après une relation permanente à travers la parole. En effet, une personne qui n’a pas l’habitude de se faire photographier sera plus à l’aise si vous parler avec lui, en essayant subtilement d’effacer le rôle qu’il est en train de jouer devant l’objectif pour révéler sa vrai personnalité. L’essentiel est de transmettre la psychologie du sujet à travers la photo que vous allez réaliser.

Le portrait est une activité photographique délicate, ou l’instant possède une très grande importance. Chacun d’entre nous avons la capacité de changer notre expression de visage très rapidement, c’est donc au photographe à sentir le bon moment lorsque le regard, la position de la tête et des muscles du visage reflètent l’orientation que vous souhaitez donner à votre portrait. Afin de capturer ce moment magique, le photographe devra entretenir ce lien à travers la parole qui permettra au sujet de révéler le plus fidèle de lui-même à l’objectif.

Reportage photo réalisé par Denis Chaussende. Toutes ces photos sont soumises aux lois sur les droits d’auteurs.

Voir  d’autres conseils et techniques photo, comme La photo par temps pluvieux.

La photographie avant ou pendant l’orage :
Le ciel s’assombrit, créant une atmosphère tout à fait particulière. Voyez le bon côté des choses ! Cet orage, qui vous a surpris pendant la balade, vous garantit de ne tomber en aucun cas dans la carte postale !
Ambiance nostalgique, voire dramatique assurée, surtout si le ciel est bien sombre… En noir et blanc bien sûr !

La photographie pendant l’orage :
La pluie crée un rideau d’eau entre le photographe (de préférence abrité) et le sujet. Malheureusement, elle est difficilement visible sur l’image, sauf dans des conditions de lumière particulières et lorsqu’elle est très dense. On utilise donc des artifices pour évoquer l’orage.

L’astuce classique consiste à se placer derrière une vitre (de plus, vous serez mieux abrité !).
En fonction de l’inclinaison de la vitre (s’il s’agit, par exemple d’une fenêtre ou d’un pare-brise), de la force de la pluie, l’eau peut créer des effets variés et intéressants : gouttes bombées ou écrasées, mur d’eau, coulures en tous genres…
Le paysage apparaît parsemé de perles, ou complètement déformé par l’eau. Les effets graphiques obtenus peuvent être particulièrement originaux.

Les jeux de mise au point et de profondeur de champ permettent des variantes intéressantes (d’une goutte floue, il ne reste plus que l’aspect déformant, ou le spot lumineux)

Ayez en tête également … la “photogénie” du parapluie ! Même si ce n’est pas un sujet directement lié à l’eau, il est notable par temps pluvieux et riche en possibilités photographiques. Graphique, coloré, symbolique, c’est un sujet qui est souvent porteur d’images fortes. Vus de haut, les parapluies sont vraiment bien mis en valeur.

La photographie après l’orage :
N’hésitez pas à sortir dès que la pluie s’est calmée. Le temps est bien nettoyé, et, surtout si l’orage était assez violent, ce moment est propice à de superbes lumières.
L’aspect “perles de rosée” met parfaitement en valeur les surfaces. C’est une jolie plus-value qui permet de prendre des choses assez simples (un capot de voiture, une plante…) avec un joli rendu, brillant et parsemé de gouttes.

L’effet “miroir” des flaques d’eau n’est absolument pas à négliger après la pluie. Les reflets sont un de mes pêchés mignon, c’est pourquoi je ne peux que vous encourager à exploiter leurs propriétés rêveuses et mystérieuses. Entre sol mouillé ou complètement inondé, les rendus sont différents, mais tout aussi exploitables.

Simple réflexion du ciel ou de lumières, ou reflets d’éléments du décor ou de passants, les possibilités d’images sont multiples et peuvent donner des résultats particulièrement créatifs.
Notons que l’eau et la lumière font très bon ménage !

Ainsi, la nuit et ses éclairages urbains nous offre un moment privilégié pour profiter des effets de réflexion créés par l’eau. La lumière des réverbères, enseignes, loupiotes en tous genres sera démultipliée par les gouttes d’eau.

Pour conclure, même si l’on grince souvent des dents à la vue d’une météo maussade, les temps pluvieux ne sont pas incompatibles avec la réalisation de bonnes photos, loin de là !
Ils sont gages d’originalité, de possibilités photographiques décuplées, de créativité…

A vos boîtiers !

Photo et texte Anne-Laure Jacquart, Auteur-Photographe.

Impossible de résumer ici « le Cambodge », je vais donc me concentrer sur Angkor Wat et ses temples. C’est toujours bien chargé que je me suis lancé sous la chaleur parfois terrifiante (dépassant en certaine période 45 degrés Celsius) dans la visite des temples Khmers. Tous mes boitiers photos ont à tour de rôle déjà goûté à la poussière du Cambodge, du Canon 10D au 5D, accompagné du 70-200 f2.8, du 17-40 f4, du 28-70 f2.8 et d’un 50mm F1.8.

C’est au mois de mars que je découvris pour la première fois les temples d’Angkor. Situé au nord du Tonlé Sap, l’ancienne capitale Khmer est classé au patrimoine mondial de l’Unesco depuis 1992. Parti à 5h du matin en Tuk-Tuk, pour assister au lever du soleil sur le temple d’Angkor Wat, une fois sur place, c’est dans la pénombre et à l’aide d’une lampe de poche que je me dirige vers l’immense complexe. A peine le temps de mettre en place mon trépied, d’effectuer quelques réglages, que la silhouette d’Angkor Wat sortait déjà de la nuit noire, le plus majestueux des temples d’Angkor se découpant dans un ciel multicolore apparaissait petit à petit sous mes yeux ébahis.

Le soleil se lèvera bientôt derrière le temple, inondant l’enceinte de ses rayons déjà très chaud pour cette heure matinale, en me retournant je m’aperçu que ce moment que je pensais « solitaire », venait d’être partagé avec plusieurs centaines de touristes qui investissaient déjà le site à pas pressés. Je poursuivis ma visite par les bas reliefs, et le sanctuaire central.

Quelques kilomètres plus loin, se trouve le Bayon, qui avec ces tours aux 4 visages vous laisse l’impression d’être sans cesse observé. Il n’est pas rare ici, de rencontrer des moines du monastère voisin, qui donneront une touche orangée à vos images. Ces derniers sont toujours avides de conversations en Anglais, afin d’améliorer celui-ci et se font un plaisir d’être photographié si on leurs demande poliment.

En roulant 20 km vers le nord-est dans l’odeur du sucre de Palme que les Khmers préparent aux bords de la route, on arrive à Banteay Srei. Ce petit temple dont les fresques magnifiquement conservées donnent l’impression d’une fine dentelle qui serait taillée dans la roche rougeâtre. André Malraux terminera ici son pillage des temples Khmers en s’y faisant arrêter en 1923, je me contenterai moi de repartir avec de nombreuses photos des détails du petit sanctuaire intérieur que mon 70-200 captura à merveille.

A force de visite dans ces temples, j’ai appris comment éviter les flux de touriste et profiter de la meilleure lumière pour réaliser mes images. C’est par exemple dans la fraicheur de la soirée, juste avant la fermeture du site que dans le silence des ruines de Ta Prohm, les couleurs deviennent magiques (les bus et les groupes ayant déjà filé sur la colline ou se trouve le Temple Phnom Bakeng, afin d’admirer le coucher de soleil). Enfouis au milieu d’une végétation très dense, ce temple où fut tourné Tomb Raider, offre d’impressionnantes scènes architecturales. Certaines parties du temple sont entièrement soutenues par l’entrelacement des racines de « Tetrameles nudiflora ». A force de patience, je réussis à faire quelques clichés « vierges » de touristes qui se plaisent à se photographier au pied de ces impressionnantes racines.

Les temples d’Angkor sont bien trop nombreux pour vous parlez ici de tous dans les détails, mais dans les temples plus que des « pierres » on trouve surtout une atmosphère, une ambiance touchante. Par exemple en prenant du temps avec les enfants des temples, en cherchant à partager avec eux un moment, vous trouverez derrière ces petits vendeurs tenaces (colliers, boissons fraiches, copie de guide voyage, cartes postales etc…, ), des sourires, des rires et partagerez des moments ou des regards qui resteront à jamais gravé dans vos souvenirs et parfois sur vos disques durs ! C’est ainsi qu’il n’est nul besoin de « voler » des portraits, mais avec un sourire, un regard, on obtient en retour un discret signe d’accord qui vous offrira des portraits toujours très fort et remplis d’émotions.

Angkor et Siem Reap, la ville ou l’on loge quand on visite les temples, sont relativement touristiques, mais il n’y a pas à aller bien loin pour trouver un autre Cambodge, plus authentique. A juste quelques kilomètres de là, sur les bords du Tonlé Sap, les choses changent brutalement. On se retrouve confronté à la dure réalité des Khmers, salaire de misère (env. 30 Dollars mensuel en moyenne), les enfants peu ou pas scolarisés jouent dans les rues jusqu’à l’âge de 3 ans et ensuite aident aux champs. Mais bien vite je remarquais qu’ici comme partout dans ce pays, personne ne vous regarde de travers, à chacun de vos regards, vous recevrez en réponse un sourire. Chaque échange sera récompensé par des moments partagés à boire un thé, ou a discuter de tout et de rien dans un anglais très approximatif et parfois simplement avec des gestes. C’est la ou un des grand avantage du numérique se fera sentir, car prendre une scène de rue ou un portrait et le montrer permet de suite de créer un contact avec ses interlocuteurs.

La 2eme année où j’ai visité le Cambodge, je me suis offert un « luxe », une folie aussi… J’ai emprunté le même parcours que la première année, mais à moto cette fois, avec la ferme intention de redonner à mes « modèles » d’un jour leurs portraits sur papier glacé ! Que de bonheur, que d’émotions de voir ces gamins, les yeux grands ouverts qui parfois ne comprenait même pas que les photos étaient pour eux… Lors de ce deuxième séjour, j’ai fait beaucoup moins de photos avec mon appareil, mais les images sont bien là, bien présentes en moi.

J’ai eu l’occasion d’y retourner plusieurs fois, à chaque fois, avec la même émotion et la même joie ! Chaque nouvelle visite au pays du sourire, me fait découvrir ou redécouvrir d’autres aspects de ce pays, des plages du sud, en passant par la Capitale Phnom Penh ou le Rattanakiri au nord qui borde la frontière Laotienne, je ne peux m’en lasser tant l’accueil est agréable et les sujets photographiques tellement divers et variés…

Reportage photo réalisé par Stéphane Combre. Vous pouvez visionner ses photos sur son site Angeliq Photography et son workshop sur Angeliq Phototravel. Toutes ces photos sont soumises aux lois sur les droits d’auteurs.

Depuis longtemps je rêve d’un compact numérique qui me permettrait de réaliser des photos sans être totalement déçu par la qualité du résultat et en évitant le sentiment d’avoir loupé une photo de valeur à cause d’un outil décevant. J’ai eu l’occasion d’essayer de nombreux bridges et compacts, et, même si certains sont bien meilleurs que d’autres, j’ai toujours eu cette petite déception au final sur la qualité des photos qui n’arrivait pas au niveau de mes reflex. Bien sûr, cela est dû à de nombreux paramètres techniques, mais la taille du capteur minuscule et les compromis réalisés par les constructeurs pour « plaire au plus grand nombre » ont la plupart du temps été les causes de cette qualité médiocre.

C’est donc avec grand intérêt que j’ai abordé la prise en main de ce Sigma DP1, premier « compact numérique » intégrant un capteur de taille raisonnable avec sa technologie Foveon. Il y avait bien eu la tentative du Sony R1, bridge également équipé d’un capteur au format APS, mais il était imposant avec un gros zoom, bref, rien à voir avec un compact. Non, ici le DP1 est bien un appareil qui tient dans la poche avec dixit le site de Sigma « un résultat comparable à celui d’un reflex ». J’ai donc eu l’occasion d’utiliser l’appareil pendant quelques mois dans mes applications personnelles et professionnelles.
L’orientation de cet article n’aura donc aucune prétention technique, il ne s’agit pas d’un « test » à proprement parler (d’autres revues et sites l’ont fait très bien), mais plutôt le ressenti d’une utilisation régulière de cet appareil photo dans différentes situations.

Au premier abord, le Sigma DP1 est un petit appareil, comme je l’ai dit précédemment il fait partie de la catégorie « je l’emporte un peu partout avec moi dans un petit sac ». Je lui ai même trouvé une pochette rigide adapté. C’est donc un appareil que l’on ne regrettera pas d’avoir emmené même si vous ne prenez aucune photo (contrairement au sac de 8 kg contenant le reflex, les objectifs etc…). Pour cela il remplit donc bien la mission qui lui est destiné.

Parlons tout d’abord d’une chose primordiale : la qualité des fichiers que produit cet appareil. Ils n’ont tout simplement rien à voir avec un compact à petit capteur, je retrouve ici la souplesse de retouche des fichiers produits par mon reflex. Associé à l’optique fixe fantastique de 16.6mm f/4 constant (28mm équivalent 135), les fichiers produits sont tout simplement gorgés de détails, le « piqué » est très élevé du niveau de mes meilleures optiques fixes sur mon reflex ! L’optique est donc « LE » grand atout du DP1.
Pas de zoom donc le type de photo est évidemment limité mais si cette focale vous convient (plutôt orienté paysage, photo de rue de proximité etc…), c’est un vrai régal à l’utilisation ! L’ouverture constante de f/4 n’est pas du tout pénalisant puisque la profondeur de champ reste relativement grande associée à cette focale. La définition d’origine de 4 Millions de pixels est tout à fait satisfaisante, puisque la qualité de l’optique et le traitement RAW permettront d’extrapoler jusqu’à 8/10 millions de pixels si nécessaire sans aucun soucis.

Concernant les fichiers produits, outre les aspects de piqué, de dynamique, d’absence de défauts optiques qui sont très bons, le capteur présente malheureusement vite des défauts à sensibilité élevée. En effet, la sensibilité maximale de cet appareil est de 800 ISO et l’on comprend vite pourquoi. Le bruit en JPEG devient vite très destructif à partir de 400 ISO. Il se gère cependant beaucoup mieux en RAW jusqu’à 800 ISO (bruit monochromatique du plus bel effet). Le point faible de ce capteur réside dans la colorimétrie. En effet, à sensibilité élevé, le capteur Foveon a un gros problème avec le rouge.

Rappelons que la technologie de ce capteur est particulière puisque, en opposition à une matrice de Bayer (ou les photosites bleus, vert et rouge sont accolés cote à cote) constituant la majorité des capteurs, la technologie Foveon opère par couches successives (bleu, puis en dessous, vert, puis encore en dessous le rouge). On comprend donc que le rouge est la couche qui reçoit le moins de lumière… Cela engendre un problème visible sur les images à haute sensibilité : le rouge se transforme la plupart du temps en mauve ou rose. Même si il est possible de corriger un peu cela en RAW avec Sigma Photo Pro, certaines situations sont parfois limites… Le logiciel de traitement des fichiers RAW fourni avec l’appareil est assez complet et intuitif, mais présente cependant une lenteur de traitement très décourageante. Beaucoup d’utilisateurs attendent la gestion des RAW du DP1 par Adobe Lightroom 2 … messieurs chez Sigma, la balle est dans votre camp.

Parlons maintenant de la prise de vue. L’appareil photo est robuste, en métal, il inspire confiance. La réactivité du DP1 n’est pas ce que l’on a vu de mieux, mais avec quelques astuces on peut tout à fait l’utiliser pour des photos prises sur le vif. En effet, si la navigation dans les menus est rapide, l’enregistrement du fichier sur la carte est léthargique (surtout en RAW), surtout que pendant ce temps il est impossible de reprendre une photo ou changer un réglage, l’appareil est bloqué !
On oubliera l’utilisation en reportage « rapides ». Disons qu’il est possible de prendre une photo à un moment T sur le vif, mais qu’il ne faut pas se louper, car la possibilité de reprendre une photo n’est pas immédiate. Ensuite, le deuxième gros problème du DP1 reste l’autofocus. S’il conviendra pour du paysage bien éclairé, celui-ci patine misérablement dès que la lumière baisse ou que le sujet n’est pas fixe.
On se croirait avec un autofocus de compact d’il y a 5 ans ! Non, si l’on veut utiliser le DP1 dans des conditions nécessitant une certaine vélocité seule la mise au point manuelle permettra de profiter de la réactivité immédiate à l’appui sur le déclencheur. Et ça tombe bien, Sigma a ici réalisé une ergonomie très efficace pour réaliser la mise au point manuellement. En effet, le DP1 est muni d’une petite molette graduée très pratique, associé à un mode loupe sur l’écran celle-ci est très efficace ! Il est donc possible de cette façon de réaliser de la photo de rue « sur le vif » par exemple.

Concernant les autres réglages, le DP1 est un appareil à ne pas mettre entre les mains d’un débutant. Il est nécessaire pour utiliser cet appareil de maitriser les notions de bases photographiques, car vous ne trouverez ici aucun mode scène préprogrammé, il faut travailler en mode priorité ouverture, manuel ou programme à la rigueur. Avec un peu d’habitude, on peut d’ailleurs jouer sur la profondeur de champ en obtenant des fonds flous avec des premiers plans très proche. Néanmoins pour les portraits, cela n’est vraiment pas suffisant et vous devrez automatiquement inclure le sujet dans son environnement.

L’ergonomie générale est bonne. Le dernier firmware permet maintenant d’utiliser le maximum de boutons pour changer directement la sensibilité par exemple ou le collimateur, plus besoin de passer par les menus. L’écran est par contre assez décevant, sans être véritablement mauvais il montre ses limites dès que le soleil se pointe affichant un contraste assez prononcé. J’ai trouvé pour ma part le flash intégré d’assez mauvaise qualité, même en manuel il est délicat de trouver la bonne exposition.

Le sigma DP1 on l’a vu est un appareil particulier. Premier du genre il ne conviendra qu’à une certaine catégorie de photographe. Si vous recherchez un outil polyvalent, passez votre chemin, ici les défauts sont rédhibitoires. Si un photographe dont l’approche est posée, réfléchie pourra faire avec, d’autres qui privilégient l’action, la polyvalence ou les photos en basses lumières seront vite frustrés par cet appareil.

Néanmoins, rendons hommage à cette initiative de Sigma, qui a su proposer sur le marché le premier appareil de ce genre. Même s’il est encore plein de défauts, j’apprécie pour le moment de réaliser des photos exploitables qui ne sont pas refusées par les agences pour mauvaise qualité d’image…

Notons également qu’à ce jour, aucun autre constructeur n’a proposé d’alternative « compact » aussi qualitative en termes d’image. Beaucoup n’attendent que ça…

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Reportage photo réalisé par Denis Chaussende. Toutes ces photos sont soumises aux lois sur les droits d’auteurs.

Même si c’est toujours un très grand plaisir de pouvoir couvrir ce type d’événement culturel (j’apprécie en live certains musiciens que j’écoute chez moi), cela reste pendant quatre ou cinq jours un marathon qui nécessite une certaine préparation. Tout d’abord, les nuits durent jusqu’au matin et il est nécessaire d’être présent du début jusqu’à la fin vers 6h30 du matin, la boisson énergétique aide bien ! La journée est ensuite ponctuée de nombreux petits événements dans des lieux insolites qu’il est intéressant de photographier. Enfin, il faut jouer avec les festivaliers, car il n’y a souvent que peu d’intérêt de photographier un artiste sans public, il faut donc être présent au « pic » de sa performance lorsqu’il y a le plus de monde et surtout d’ambiance ! Afin de tenir le rythme il faut donc faire attention à quelques détails comme les bouchons d’oreilles, indispensables car le photographe est souvent collé aux enceintes pour saisir les artistes au plus près, ou une tenue vestimentaire discrète (tee-shirt gris et pantalon pratique peu salissant).

Côté matériel, le reflex numérique reste l’outil le plus adapté, et depuis l’EOS 5D, il est possible de travailler à des sensibilités élevées sans faire apparaître un bruit trop important sur les photos qui restent exploitables. En association avec le boitier je jongle avec trois principaux objectifs. J’évite d’emmener le 70-200mm f/2.8 lourd et inutile car j’ai la possibilité avec l’accréditation d’être à quelques mètres de l’artiste et la lumière se faisant la plupart du temps très rare, l’ouverture à 2.8 s’avère insuffisante au-delà de 70mm. J’emporte donc le 24-70 f/2.8 L, le 17-40 f/4 L et le magique 50mm f/1.4. Les deux premiers objectifs me permettent de réaliser des plans serrés ou des photos très larges au très grand angle, le dernier permet surtout de réaliser des portraits d’artistes à grande ouverture dans des conditions lumineuses faibles. Il m’arrive très souvent de travailler à 1600 ou 3200 ISO et entre 2.8 et 1.4 d’ouverture, certaines scènes n’étant que très peu éclairées ! Je ne travaille que très rarement au flash, tout d’abord parce que cela peut déranger les artistes, et ensuite parce que je préfère jouer avec la lumière créer par les éclairagistes. Il faut d’ailleurs être très vigilant aux cycles lumineux utilisés par le technicien sur scène afin d’attendre la lumière que l’on souhaite. En effet, les configurations scéniques dans les festivals étant multiples, les éclairagistes enregistrent des programmes (cycles) de quelques dizaines de minutes qu’ils permutent ensuite suivant l’atmosphère, l’artiste et le type de musique. Il est donc parfois important d’attendre le bon éclairage et la bonne lumière pour mettre en valeur la performance.

Une bonne photographie de concert est une association de trois critères : une bonne lumière sur l’artiste (jeu graphique de couleurs par exemple), une intensité dans son expression, une osmose avec le public. Si le photographe réussit à réunir ces trois paramètres, il réalisera la plupart du temps une bonne photo de concert ! Il est donc important d’être patient et d’attendre ce moment décisif tout en étant prêt évidemment au niveau de son boitier en ayant sélectionné les bons réglages.

D’ailleurs, cela dépend du concert, mais sur les scènes typées « électronique » l’éclairage s’approche plus de la boite de nuit que d’une prestation statique, et cela nécessite de faire réellement confiance à la cellule puisque la lumière change tout le temps (poursuite en mouvement, stroboscope, couleurs…) c’est pourquoi je travaille la plupart du temps en mode priorité ouverture (Av) et mode de mesure évaluative. C’est seulement lorsque ma photo se concentre sur l’artiste que je passe le mode de mesure en pondéré centrale afin de privilégié l’exposition sur celui-ci. Dans certains cas il est même impossible de travailler en manuel, avec la même ouverture et sensibilité, la vitesse pouvant varier de 1/40ème de secondes à 1/1000ème si le spot éclaire très rapidement l’artiste ! La vitesse reste d’ailleurs la plus grosse contrainte pour ce type de photographie et même si un stabilisateur peut apporter un peu de confort à la visée, il ne remplace pas une grande ouverture qui permet d’éviter le flou de bougé des artistes souvent mouvementés en prestation ! Même les DJ’s qui semblent à première vue être statiques ont la fâcheuse mauvaise habitude d’avoir un léger mouvement de balancier d’avant en arrière au rythme de la musique, rien de pire à photographier quand la vitesse est limite…

Concernant le réglage de la balance des blancs cela reste très simple puisque ces éclairages professionnels ne présentent aucune dominante et sont fidèles à la lumière du jour, je règle donc mon boitier sur lumière du jour lorsque je travaille en JPEG. D’ailleurs pour des questions de rendus rapides je travaille la majorité du temps en JPEG L haute qualité, cela me permet de transférer mes photos dès que possible au service de presse. Il m’arrive de réaliser quelques clichés délicats en RAW mais le passage obligatoire par le logiciel de dérawtisation à la maison devient obligatoire… J’attache donc une attention particulière à l’exposition lors de mes prises de vues en contrôlant mon histogramme sans cesse afin d’optimiser celle-ci sur les hautes lumières.
Il est également important de réaliser différents types de photographies, de ne pas se concentrer exclusivement sur les artistes ou sur le public. Afin de rendre compte de cet événement dans un lieu qui potentiellement n’existera plus dans quelques mois (cas de l’usine investie pour la dernière édition par exemple), il est essentiel d’en saisir les atmosphères, les aménagements, la décoration etc… J’essaye donc à travers des images graphiques de rendre compte de l’ambiance, de l’effervescence et de la vie qui se déroule pendant quatre jours dans ce lieu atypique. Lorsque je repère un endroit graphiquement intéressant, j’attends souvent l’intervention d’une ombre ou d’un personnage qui vient situer la scène.

Couvrir un festival est un défi intéressant pour tout photographe car il permet sur une longue durée de rencontrer des situations scéniques visuelles très différentes. De plus avec les nombreux festivals présents en France, il est très facile de demander une autorisation de photographier qui permettra à tout amateur de débuter dans cette activité. Bien sûr, il sera plus délicat d’avoir accès à la scène à proximité des artistes, mais il est déjà tout à fait possible de réaliser de très bons clichés du côté du public ! Et il ne faut pas oublier que photographier un concert c’est aussi photographier la relation qu’un artiste peut avoir avec son public. Enfin, n’oubliez pas non plus d’apprécier la musique elle-même, sinon vous risquez de passer à côté d’un très bon moment !

Reportage photo réalisé par Denis Chaussende. Toutes ces photos sont soumises aux lois sur les droits d’auteurs.